Il est peu de photographes dont l’univers, me référant à ce que je connais et m’influence, me semble plus éloigné du mien que le sien. C’est ce qu’on se disait avec un copain après avoir passé en revue certaines de ses photos tremblées. Ces gens à la dérive, ces silhouettes étiques, rompues, flippantes.

Antoine d’Agata peut tenir des propos très forts. Par exemple, dans un article du journal Libération paru le 8 janvier 2021, cet entretien, titré « Pourquoi le noir et blanc ? » :

«Allez fouiller dans la biographie du photographe, jugez ses faits et gestes, disséquez ses motivations intimes, les risques encourus, sa part de responsabilité, la portée de ses gestes, prenez-le sur le fait. Le noir et blanc est une tradition putréfiée. Comme toute tradition, elle est un mensonge, un prétexte au confort et à l’absence de courage. Le noir et blanc n’est qu’un élément de langage qui masque le sens réel de la parole énoncée. Le style personnel, le rapport à la couleur, le sens de la composition sont insignifiants. Je ne ressens aucune affinité avec quelque technique ou esthétique que ce soit. Peu importe que l’image soit faite à la chambre ou avec un téléphone portable, peu importe la palette de gris ou de couleurs, la netteté ou le flou. Faire le choix du noir et blanc pour l’esthétique, plutôt que mettre à mal la pratique photographique, est une abjection, un leurre, une arnaque. La logique culturelle veut réduire la pratique photographique à l’apparence, mais la photographie peut être autre chose, une forme d’action qui, parce qu’elle ne requiert ni apprentissage ni savoir-faire, est le seul art immédiat qui autorise et requiert de chacun de prendre la vie à bras-le-corps, de se frotter corps et âme à l’essence de l’existence.»

C’est un peu plus chez lui qu’une invitation à regarder, fureter, flâner, s’arrêter, saisir une scène, une situation fugace et légère, bien plus qu’une simple relation ponctuelle avec un au-dehors ou quelqu’un de passage. Si ce n’est une image qui vous triture, allez voir ailleurs semble-t-il dire. Photographier procéderait d’une relation d’incandescence indéfiniment recommencée, à soi, aux êtres et aux choses. Mise en abîme de la scène photographiée, incrustation de ses propres démons sur le film ou le capteur, dans un contexte de situations difficiles, toujours, semble-t-il, et là où la souffrance exsude : il faut faire corps avec elle – pas seulement en témoigner, en être. C’est ici que mon univers, qui n’est surtout pas un dolorisme, s’éloigne du sien, mon chemin se situe ailleurs, la pratique de la photo étant chez moi un levier pour me sortir 1) la tête de l’hôpital psychiatrique où je travaille, même si je ne déteste pas du tout y être, mais la souffrance, je connais ; et 2) au-delà de ça, elle est une façon de vivre, une manière de me tenir loin de moi et de mes vieilles lunes. Dans un essai fameux Clément Rosset disait : « moins je me connais, mieux je me porte. » Aucune formule ne me rend plus joyeux. Avec un appareil photo, il se trouve que je ne m’intéresse plus trop à moi-même, ni au tragique, ni à la réalité. Le rire n’est jamais loin non plus, il y a une certaine forme de légèreté, de grâce, dans l’acte photographique, du moins on aimerait que ce soit ça – ce dont le monde hélas est bien dépourvu.